António Oliveira Tavares

ANTÓNIO OLIVEIRA TAVARES

Oliveira Tavares (Lisboa, 1961) cursó hasta 4º de Ingeniería en el Universidad I.S.T. de Lisboa. Realizó estudios de dibujo en el Centro de Arte & Comunicação Audiovisual y frecuentó, además, el Curso de Historia de Arte en la Sociedade Nacional de Belas Artes, ambos en Lisboa.

Entre 2001 y 2005 vivió y trabajó en sus talleres de París y Bruselas, en los que completó su formación artística a través de un estudio intenso de grandes museos como el Louvre, Musée d’Orsay y el Georges Pompidou, participando en la vida artística de estos centros.

Reside actualmente en Borba en el Alentejo portugués y es miembro de la Sociedade Nacional de Belas Artes de Portugal

María Leal da Costa

MARÍA LEAL DA COSTA

María Leal Da Costa nació en Évora en 1964. Realizó el Curso de Interiores en la Escuela António Arroio entre 1982 y 1986. Frecuentó el Curso de Escultura de la Escuela Superior de Bellas Artes de Lisboa. Expone sus trabajos desde 1994. Actualmente vive y trabaja en Marvão (Portugal) desde 1999, donde tiene su taller en la Quinta do Barrieiro.

En 2015 fue publicado en portugués e inglés, por la Editora Caminho, el libro María Leal da Costa-Escultura sobre 25 años de su trabajo.

Ha recibido numerosos premios y reconocimientos públicos y participado en exposiciones colectivas e individuales.

Su obra se encuentra representada en Portugal y en el extranjero, en colecciones públicas y privadas, principalmente en museos, municipios, organismos estatales y empresas privadas.

Pedro Castanheira

PEDRO CASTANHEIRA

Pedro Castanheira nació en Soure (Portugal) en 1969. Licenciado en Pintura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa en 1994.

Ha realizado más de una decena de exposiciones individuales y participado en 82 muestras colectivas.

Su obra está representada en varias colecciones privadas y en instituciones nacionales e internacionales.

Reside actualmente en Setúbal.

Por diversas circunstancias, que facilitan el ejercicio de las artes y la cultura en general, en el enclave residencial de La Canyada de Paterna (Valencia) y su entorno viven y trabajan un numeroso grupo de artistas que, en el año 2007, después de varias coincidencias, decidieron formar un grupo de acción cultural. Este grupo acordó identificarse con el nombre: CANYADA D´ART.

La idea que comparten es:

EL ARTE COMO

EXPRESIÓN DE LIBERTAD.

Los artistas tienen la facultad de expresar y transformar la realidad,  liberando, a través de su creación,  gran parte de sus miedos, dudas y temores. Todas sus inquietudes plásticas y emocionales cobran vida en su obra y en muchas ocasiones están enraizadas en el tiempo y en la sociedad con quien les ha tocado vivir,  expresando  su satisfacción o indignación con todo ese mundo que conforma su propia vida. La técnica y la emoción se entrelazan plasmándose en el soporte como reflejo (O espejo) de su mundo interior.

Los miembros del colectivo Canyada d’Art muestran sus diferentes puntos de vista, utilizando cada uno su lenguaje para crear diálogos abiertos y reflexionar sobre la percepción de la propia realidad.

Quieren captar la atención del espectador e invitarlo a sumergirse en su mundo imaginario, que forme parte de él y se vea arrastrado por las diferentes propuestas para provocar su propia reflexión y que se creen puentes entre la obra y el espectador.

Desde 2007 Canyada d’Art  ha desarrollado diferentes actividades culturales y expositivas afianzándose como grupo y evolucionando constantemente a favor del Arte.

En esta muestra se dan cita pintores, escultores, fotógrafos y ceramistas de este colectivo valenciano.

El pasado viernes 18 de septiembre, a las 20,00 h. tuvo lugar la inauguración, en la Sala de Usos Múltiples del Museo Etnográfico Extremeño González Santana de Olivenza, de la exposición Y el árbol se hizo arte, del escultor Pedro Monago García.

Pedro Monago explicando una de sus obras durante el acto inaugural

Bailaora

Nacido en Villanueva de la Serena (Badajoz),en 1939, desde corta edad muestra su afición por el dibujo y el modelado en barro. A la vez que trabaja de ebanista, estudia dibujo lineal en la Escuela de Artes y Oficios de su localidad. Mientras realiza el servicio militar en Las Palmas de Gran Canarias, asiste a la Facultad de Bellas Artes. Posteriormente, en Madrid, cursa estudios de decoración, trabajando como dibujante decorador en varias empresas, hasta que en 1976 inicia una nueva etapa como industrial en la fabricación de muebles.

En la actualidad, disfruta esculpiendo y pintando, sus grandes pasiones. Y es que para Pedro, la madera, con sus texturas, vetas y nudos son una tentación al tacto. Nogal autóctono o americano, caoba de Brasil, cerezo español, pino…, son los que más emplea.

Con esta exposición, Pedro Monago nos presenta diferentes tallas en bulto redondo, cada una con sus historias, caso de la Menina de Velázquez, Venus del Espejo, Geisha con pañuelo…, y así hasta un total de 18, que el artista abre a la libre interpretación del espectador. Cada talla, fruto de la exigencia del autor, busca el movimiento, la tensión, el esfuerzo, el reposo… Y es que  Pedro, escultor y pintor laborioso durante todo el proceso de creación, nos presenta una exposición llena de expresión.

Y el árbol se hizo arte podrá visitarse hasta el 18 de octubre en el horario de apertura del Museo

Tras la clausura a finales de junio de la exposición Naturaleza Humana de la escultora catalana Marta Moreu en el Vestíbulo de la Fundación Caja Badajoz, y antes de su regreso a Barcelona, la promotora cultural y artística Manuela Brioa Cordón, a través de su empresa Un templo para el Arte, ha hecho entrega al Museo Etnográfico Extremeño González Santana en concepto de donación de la obra Bicicleta Grande, presente en el catálogo de la mencionada muestra, que a su vez había sido celebrada en Olivenza entre los meses de febrero y abril de 2015.

Se trata de una escultura de bulto redondo a tamaño natural (230 x 170 x 55 cms.) realizada en bronce y resina de poliéster patinado que representa una figura humana femenina subida a una bicicleta con los brazos alzados al cielo.

Marta Moreu (1961) ha vivido y desarrollado su arte por ciudades de todo el mundo (Barcelona, Minneapolis, Düsseldorf, Paris, Madrid, Miami, México, D.F.). Su obra ha sido expuesta en galerías de los Estados Unidos (Ketchum, Charlotte, New Cork, Seattle), Canadá, Asia (Singapur, Hong Kong, Kuala Lumpur) y Europa (Paris, Barcelona, Valencia, Madrid, Londres, Bruselas …) así como en prestigiosas ferias de arte como las de Estrasburgo, Gante, Toronto, Miami, Palm Beach y Chicago.

Desde el Museo queremos agradecer a Manuela Brioa Cordón y a la empresa cultural Un templo para el Arte esta generosa donación y su estrecha cooperación en proyectos comunes con nuestra institución, con la que viene colaborando desde hace ya varios años.

La escultura se ha ubicado provisionalmente en el Patio de Armas del Museo.

El viernes 13 de marzo a las 19:00 h. tendrá lugar en la Sala de Actividades Alternativas del Museo la inauguración de la exposición LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA, del artista JAVIER FERNÁNDEZ CARRETERO.

Javier Fernández Carretero

Fernández Carretero, (1976), hispalense afincado en Fregenal de la Sierra, se licenció, en 1999 en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, especializándose en la modalidad de Pintura.

Actualmente es profesor de Enseñanza Secundaria en el I.E.S. Ramón Carande de Jerez de los Caballeros.

Ha tomado parte en numerosas exposiciones individuales y colectivas, principalmente en Extremadura y Andalucía.

Asiduo a los concursos de pintura, ha obtenido diversos galardones, siendo dos de sus obras premiadas en la II y III ediciones del Concurso de Pintura al Aire Libre Juan Leyva Palma de Olivenza.

Además de su labor docente, expositiva y de concursante, ha realizado diseños para locales y discos, así como pinturas murales para centros religiosos.

La persistencia de la memoria se compone de 11 dibujos a lápiz, 6 transfers con acrílico, 3 paisajes con técnica mixta y 3 esculturas cerámicas. Se trata de una exposición temática sobre el recuerdo, el pasado, el presente y el futuro, concebida como una reflexión visual sobre el paso del tiempo que perdura en la memoria.

Uno de los dibujos de la exposición

Tanto en los dibujos como en los transfers aparecen figuras sobre fondo blanco, efecto que provoca una descontextualización de su entorno y época. Solo sus imágenes hacen recordar a la persona. En algunas de ellas aparecen elementos del avance tecnológico y mecánico, como motos, automóviles, triciclos, cámaras de fotos y televisiones, rindiendo con ello un homenaje a la profesión de fotógrafo de su abuelo, a la evolución de esta técnica y, por consiguiente, a la de la imagen en general.

Todos los objetos están tomados de fotografías personales de su abuelo, cuyo interés por plasmar la realidad ha adaptado, tratando de mantener su esencia, para transmitir un recuerdo que perdure con el paso del tiempo.

Los paisajes de la exposición son vistas figurativas realizadas con técnicas mixtas que dotan a la atmósfera de una singular expresividad.

Las esculturas, en cambio, muestran diferentes estados de ánimo, representados por figuras estilizadas y tratando la textura de la cerámica como valor expresivo para reforzar los sentimientos.

El objetivo principal del artista es representar mediante imágenes el testimonio de las vivencias y experiencias integrantes de nuestra propia identidad para fortalecerlas con los recuerdos que permanecen en nuestra memoria.

La muestra estará abierta hasta el próximo 13 de abril.

El viernes 20 de febrero a las 19:00 h tuvo lugar en la Sala de Usos Múltiples del Museo la inauguración de la exposición NATURALEZA HUMANA, de la escultora catalana MARTA MOREU.

Nacida en Barcelona en 1961, Marta se licencia en 1985 en Bellas Artes, especialidad de escultura, por la Universidad Sant Jordi de Barcelona. A partir de ese momento empieza a realizar su obra escultórica,  actividad que, en los primeros años, compagina con la docencia, su otra pasión.

Ha vivido y desarrollado su arte por todo el mundo (Barcelona, Minneapolis, Düsseldorf, París, Madrid, Miami, México), lo que ha marcado su obra.

Así, sus años vividos en Miami han sido importantes para poder desarrollar su nueva serie de esculturas basada en la naturaleza y sus cuatro elementos.

Sus creaciones nacen del subconsciente y de sus sentimientos más profundos con la intención de comunicar y expresar de un modo prácticamente autobiográfico y sincero buscando la autenticidad. Es una artista figurativa pero la distorsión, el movimiento, la ingravidez y el simbolismo ayudan a crear su propio mundo imaginario que escapa de la realidad y se acerca más al lirismo. Es el caso de supuestas acciones de levitación y de ascenso a escaleras interminables.

La motivación le llega del mundo cotidiano, de la afición a la música y a la ópera clásica, del deporte… La figura de la mujer es protagonista en un papel de diosa o de ninfa de fábulas mitológicas.

A lo largo de su carrera ha utilizado diferentes materiales para realizar su obra como madera, piedra, barro y otros, pero el bronce siempre ha sido su material preferido. La nobleza, la durabilidad y la flexibilidad de este material han sido unas de las cualidades por las que la artista lo ha escogido. Le permite hacer formas que con ningún otro material podría hacerse, le permite alargar, doblar y soldar sus figuras en posiciones de equilibrio a veces imposibles. Los colores de sus pátinas y la textura rugosa utilizada por ella en sus acabados son esenciales para dar más intensidad de expresión a su obra con un cierto dramatismo sin abandonar este estilo austero y depurado. A pesar de la dureza y el peso del material sus esculturas ofrecen una sensación de ligereza e ingravidez.

En esta muestra se pueden observar un total de 25 obras, la mayoría de bronce,  que representan los temas que habitualmente trata la artista. Así podemos ver a la mujer representada en obras como Diosa de la creación, Tres gracias, Dry Martini, obras relacionadas con el deporte como El Biciclo, Hombre sobre Arco V,  con la música  como Ofelia I y II, y con su denominado bestiario con obras como Centauro, Toro torero, Caballo cocinando, etc.

Su obra ha sido expuesta en galerías de los Estados Unidos (Ketchum, Charlotte, New Cork, Seattle), Canadá, Asia (Singapur, Hong Kong, Kuala-Lumpur) y Europa (París, Barcelona, Valencia, Madrid, Londres, Bélgica…) También en prestigiosas ferias de arte como Strasbourg Art Fair, Gante Art Fair, Toronto Art Fair, Miami Art Fair, Palm Beach Art Fair o Chicago Art Fair. Además, tiene obra pública en la provincia de Barcelona. Sus fundiciones de escultura de Mexico, Miami y Madrid ya son parte muy importante de su gran equipo además de sus galerías repartidas por todo el mundo. Todo ello hará que los años venideros continúen siendo años de viaje, aprendizajes y creación para Marta.

 La obra de Marta Moreu visita nuestro Museo gracias, una vez más a la inestimable colaboración de la empresa cultural Un templo para el arte, de Manuela Brioa Cordón.

Más información sobre la artista en su web http://www.martamoreu.com/

Vicente Gragera ha participado en varios encuentros sobre el trabajo del hierro

          El jueves 9 de enero de 2014 a las 19:00 h. se inaugura en la Sala de Actividades Alternativas del Museo Etnográfico Extremeño «González Santana» de Olivenza la exposición «Del hierro y el fuego» de Vicente Gragera Almirante

         Vicente Gragera nace en Montijo (Badajoz), en 1960, en el seno de una familia de tradición totalmente artesana. Desde su bisabuelo, que en el año 1915 decide crear su propia empresa, hasta el día de hoy, han sido cuatro generaciones dedicadas al trabajo con el hierro. Desde muy pequeño, su contacto con este mundo ha sido continuo. Su casa siempre tuvo sabor a fragua; sus primeros juegos con el fuelle manual, con el que se avivaba el fuego de la fragua, la sintonía musical de los martillos sobre el yunque o el olor característico del carbón forman parte de sus recuerdos.

          En 1977 decide dejar los estudios y dedicarse, junto con su padre, al negocio familiar  combinando el trabajo en la fragua con estudios de dibujo técnico y artístico, y aprendiendo las técnicas más antiguas de la forja.

          A lo largo de estos años ha expuesto en numerosas ferias de muestras y exposiciones colectivas, tanto en Extremadura como fuera de ella, así como también ha participado en diferentes concursos, obteniendo el Primer Premio en el XV Concurso de Artesanía Gobierno de Extremadura en la categoría de Artesanía Artística con la obra “De estos mimbres”.

          La gran afición y dedicación a la forja le lleva a participar desde hace años en distintas reuniones y encuentros de herreros y maestros forjadores como lo Encontros de Ferreyros de Taramundi en Asturias, Encuentros de escultores y artesanos del metal en Toledo o Encuentro de Forjadores de Alpens en Barcelona, donde continúa aprendiendo y practicando técnicas muy antiguas de la forja y donde tiene la oportunidad de trabajar con grandes maestros como Ramón Recuero (Toledo), Miquel Xirau (Barcelona) o Vladimir Sokhonevich (San Petersburgo).

          La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 16 de febrero.

Fili muestra en el Museo una selección de esculturas de bulto redondo en pequeño formato

        Fili Plaza Jiménez nace en Alaraz, Salamanca, en 1957. Estudia interiorismo en la Escola dÁrt i Oficis de Barcelona. Posteriormente aprende las técnicas de la cerámica. En 2003 se inicia como diseñadora de joyas.

          Su local, ubicado en calle Provenza 225, de Barcelona, es un pequeño museo donde se pueden admirar  trabajos relacionados con la joyería y escultura, en los que intenta recoger todo tipo se sensaciones y emociones del ser humano: soledad, unión, felicidad…

"Juntos". Bronce/hierro. 31 x 13 x 12 cms.

Su sensibilidad como mujer, su constante observación del ser humano y su curiosidad por el mundo de los deseos se une a su gran imaginación, dando vida a obras que son una combinación de formas, texturas y colores, que se plasma en sus joyas, y esculturas de bronce, caracterizadas por su fuerte identidad, donde el espectador puede disfrutar de sus líneas, contornos y gestos.

          El cuerpo humano es el tema esencial de sus esculturas, torsos de hombres y mujeres que muchas veces se aferran entre sí, buscándose, consolándose…

          Fili Plaza ha expuesto en España, Holanda, Alemania, Japón, New York, Los Ángeles, París, Bruselas y Miami.

          Desde el Museo Etnográfico González Santana queremos dar las gracias a la autora por permitirnos disfrutar de su obra, así como a todos los que han hecho posible que pueda ser admirada en Olivenza, y muy especialmente, también en este caso, a Manuela Brioa.

          Esta muestra de esculturas puede visitarse en la Planta Alta del Museo desde el 1 de agosto al 15 de septiembre de 2013.

          El álbum con la obra expuesta en el Museo puede consultarse en  nuestro espacio en Facebook.

          Pepe Yagües nace en 1968 en Molina de Segura (Murcia), ciudad en la que sigue manteniendo su taller. Inicia sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Murcia en 1985, continuándolos, en 1987, en la Facultad de Bellas Artes de Granada. Obtuvo la licenciatura en Técnicas de Grabado y Estampación por la de la Universidad de Valencia en 1992.

         Desarrolla los primeros años de su actividad en el campo del grabado, obteniendo diversos premios. Ha celebrado exposiciones individuales en Murcia, Valencia, Barcelona, Bruselas, Madrid, París, Düsseldorf, Colonia, Nüremberg, Weimar y en varias ciudades de Estados Unidos. En el Guggenheim de Nueva York ha participado, junto a otros artistas, en la exposición El Arte de Curar, con el fin de recaudar fondos para la O.N.G. Médicos del Mundo.

          En 1996 expone Mal de amores, en la Galería Marwan Hoss de París; en 1997, presenta, en la Casa de América de Madrid, grabados relacionados con Veinte poemas de amor y una canción desesperada, de Pablo Neruda. Dos años más tarde nos deleita con la edición de Guitarra Abierta, diecisiete grabados relacionados con el mismo número de poemas de García Lorca, además de dar vida al políptico Dédalo del deseo, basado en poemas del escritor argentino Jorge Luis Borges.

Vista general de la exposición

         Para Pepe Yagües los minotauros son símbolos de aquello que la sociedad oculta; en ellos conviven magia, lógica, irracionalidad y un erotismo donde se confunden animalidad y humanidad. Son minotauros machos, hembras, saeta, quizá para escapar del dédalo e imitar a Ícaro.

         Son miniaturas que habitan el vientre de Pasífae, esposa de Minos y nieta de Europa. Como dice María Luisa Borrás, “El Minotauro de Pepe Yagües es la antítesis del hombre-toro de la Tragedia Griega y que reinventa Picasso en los años treinta. El Minotauro picassiano se debate entre la ceguera y la muerte en escenas trágicas, mientras que el de Yagüe es amable y tímido, debatiéndose entre la inocencia y la burla”. Sin duda, con sus minotauros nos acerca, en palabras de Josep Palau y Fabre, poeta y biógrafo de Picasso, “ a nuevas aventuras saturadas de sentimientos y sensibilidad del escultor, lleno de imaginación desbordante”. Esta imaginación desbordante se traduce en “ la ironía desbordante, el humor que la España moderna necesita (…)” para, en palabras de Jorge Semprún, “disolver la espesa chatarra del sentimiento trágico de la vida”.

Yagües no cree que “el arte deba ser obligatoriamente serio. Minotauro es una figura inagotable que recorre ágil las composiciones, atrapando, cortejando un cuerpo de mujer.

«Fruto de la pasión»

          Sus materiales preferidos son el hierro, madera y resina, pero también piezas viejas que encuentra por la calle y reconvierte.

          Tras ver esta exposición, nadie puede quedar impasible ante una obra, donde la alegoría y fantasía toman vida, y todo ello, fruto del talento de su autor.

          Desde el Museo Etnográfico Extremeño González Santana queremos dar las gracias a Pepe Yagües por permitirnos disfrutar in situ de su obra, así como a todos los que han hecho posible que pueda ser admirada en Olivenza, especialmente a Manuela Brioa.

          La exposición de Yagües permaneció abierta al público en la Sala de Usos Múltiples del Museo desde el 1 de agosto al 15 de septiembre de 2013. Para ver imágenes de la obra expuesta podéis acceder al álbum en nuestro espacio en Facebook .